MODULO 3 (Conclusión) Palestrina

Palestrina

Palestrina nació en 1525 y murió en 1594, Alrededor de su vida hay una serie de leyendas, una de las cuales narra cómo Palestrina salvó la música polifónica: se dice que en el Concilio de Trento (más de 25 sesiones para discutir la posición de la iglesia frente a diferentes aspectos) el papa, disgustado por los grandes abusos de la polifonía en la música litúrgica, consideró la posibilidad de prohibir la polifonía dentro de las ceremonias religiosas. Palestrina, a peticiones de algunos cardenales, escribió una grandiosa misa a 6 voces, conocida como “la misa del papa Marcelo”. 

Agradó tanto al papa la maestría, belleza y sobriedad de ésta música, que la polifonía continuó siendo aceptada dentro de la iglesia misma. Según un músico romántico posterior a Palestrina, “su música es la comunión de las almas, su compenetración con lo ideal y lo eterno. La piedad y el amor han dictado estas obras. Es la verdadera música de otro mundo. Palestrina es sencillo verdadero, ingenuo, piadoso, fuerte y potente, verdaderamente cristiano en sus obras. Sus composiciones son un ejercicio religioso”.

Palestrina representaba pues, el punto culminante de todo un largo período de expresión musical. 

Como J. S. Bach (siglo XVIII) es uno de los pocos grandes maestros ante el cual se inclinan todas las generaciones posteriores de músicos y compositores, reconociendo el valor de un genio profundo y universal.

Despues de esta culminación del arte polifónico en el genio de Palestrina y en otros músicos contemporáneos suyos, los madrigales se popularizaron cada vez más.

Monteverdi

El madrigal simboliza la renovación musical. Esta evolución del estilo está representada por uno de los compositores más grandes de todos los tiempos: Claudio Monteverdi, quién escribió más de cien madrigales, y muchas obras más.

Esta época vio la aparición de un género con un porvenir muy brillante: la música de cámara.

Música de cámara

Se entiende por música de cámara, la música para grupos reducidos de ejecutantes, propia para interpretarse en una sala.

Hasta mediados del siglo XV, la música vocal e instrumental no estaba delimitada: algunas voces de la música vocal podían substituirse por un instrumento y viceversa.

Los instrumentos de cuerda punteada más usados eran el arpa, el salterio, el laúd, la guitarra y la vihuela, todos ellos provistos o formados por una caja de resonancia y cuerdas.

La viola, la giga y el rabel (este último de dos cuerdas solamente), eran los más populares de entre los instrumentos de cuerdas frotadas.

También se usaban el clavicordio, instrumento de cuerda y de teclado, y un instrumento muy curioso llamado la zanfonía, combinación de teclado y cuerdas con una manivela.

Entre los instrumentos de viento, destacaban las trompetas, la flauta dulce, que se tocaba como prolongación de la boca, y la flauta traversera, que se toca horizontalmente, la bombarda (antepasada del oboe) y sobretodo, el órgano, que en el siglo XVI era el instrumento más difundido.

Panorama musical del siglo XVI

En resumen, el panorama de la música en el siglo XVI fué:

*La música se convierte en arte independiente, en arte puro, ya no como un arte con finalidad extramusical. Como había sido hasta muy poco tiempo antes (medio mágico en un principio, vehículo religioso más tarde).

*Nace el individualismo, lo que significa que la música empieza a caracterizarse por la personalidad del autor.

*Aparece la música peculiar de diferentes naciones.

*Se separan la música religiosa y la profana.

*La música mundana domina el panorama musical general.

*Se separa la música vocal e instrumental.

*Hay gran libertad de estilo.

*La expresión musical adquiere “naturalidad”.

*Se hace común el empleo de semitonos (cromatismo).

*La música deja de ser la expresión de un sentimiento colectivo como fue durante más de mil años en el ejercicio de la música religiosa.

Hasta aquí, hemos expuesto un breve panorama histórico de la música, desde sus primeros tiempos hasta el siglo XVI, en el cual la música ha desarrollado ya los cimientos de su desenvolvimiento posterior.

Los próximos modulos tratarán de temas relacionados con el lenguaje musical, como su escritura, sus elementos, así como de los instrumentos musicales y las estructuras de las obras.

Con colaboración de: Miguel Angel Gonzalez Plata, guitarrista de "Golden Years Band"

Modulo 3 Tercera Etapa: Los Flamencos (continuación)

Los Flamencos y Josquin Des Prés 

 

Con la música de los flamencos, se inició un proceso sumamente fecundo, muy similar al que se produjo con la música gregoriana de los apóstoles: la influencia recíproca de una técnica altamente desarrollada y la inspiración autóctona o patrimonio nacional de los diversos pueblos.

Aunque la música de Josquin Des Prés, ya había manifestado un fuerte contenido emocional, esta tendencia fue acentuandose. Naturalmente que la expresión de estas emociones intensas se lograba con cierta audacia en el uso del lenguaje musical como el cromatismo, ya mencionado anteriormente.

El efecto emocional de este recurso expresivo puede facilmente comprobarse con el teclado de un piano  presionando por ejemplo, un do y luego un do sostenido. Esta sencilla sucesión comunica una sensación de intensidad.

Al finalizar el siglo XVI un cambio estético musical marca la superación del espíritu medieval. El naciente concepto armónico se convierte de aquí en adelante en un elemento independiente que al lado del contrapunto y en igualdad de derecho, va a revolucionar el tratamiento universal de la música.

Gutenberg inventó la imprenta en 1440. Este gran adelanto contribuyó a la difusión de la música.

En todas partes se empezó a ver intercamio incesante de las composiciones musicales. Simultáneamente se llamaba a los musicos de un sitio a otro, para interpretar partituras musicales, o para estudiar en los centros musicales de más pretigio.

Todo este intercambio propició una especie de lenguaje universal de la música, donde no destacaba todavía la música característica de cada nación.

Estilo Italiano

Sin embargo, Italia siempre mantuvo un estilo musical característico, un estilo autóctono que fue una especie de barrera para la invasión de la fuerte corriente del arte flamenco del contrapunto.

Madrigal

La tendencia más natural, suave y fluida, vocal y espontánea de la música italiana se manifestará en el Madrigal. El origen del madrigal se encuentra en unas canciones de esencia popular, llamadas “frottola”.

Estas canciones, al ser tratadas con mayor refinamiento por las gentes de las cortes, adquirieron elegancia y finura.

El madrigal es una canción polifónica, poética y expresiva, donde el contrapunto se ha suavizado y la linea melódica corresponde a las intenciones del texto de un poema. Este texto poético se destaca sutilmente con los efectos conseguidos por combinaciones rítmicas, por la distribución de las voces, y por algunos efectos armónicos.

Una particularidad del madrigal, que enriquece la creciente expresividad de la música ya subrayada por la creación de Josquin Des Prés, es el hecho de que se cantaba una sílaba por nota, en vez de repetir una sola vocal a lo largo de una serie de sonidos (melismas). Al corresponder a cada sonido una sílaba o vocal se simplificó la linea melódica.

Al amparo de la iglesia católica, todavía con gran poderío en el siglo XVI, se formaron grandes músicos, entre los que se encuentra el genial Giovani Pier Luigi Palestrina.

Con colaboración de: Miguel Angel Gonzalez Plata, guitarra lider de “Golden Years Band”

Modulo 3

Josquin Des Près

Cuando el siglo XV tocaba a su fin, apareció entre otros músicos destacados, una figura de renombre universal: Josquin Des Près.

El, al igual que sus contemporáneos, se sintió muy pronto cautivado por la tendencia de la música italiana que consistía en una línea melódica fácil, expresiva y fluida muy apropiada para la voz humana.

Josquin Des Près aunque francés, estuvo en Italia desde muy joven y gozo en vida de una inmensa gloria,  cosa rara entre los músicos. Todas las grandes personalidades de la época, como los papas y los reyes, se inclinaban ante él; no en vano era llamado “Principe de la música”.

 

Fuerza expresiva de la música

La cualidad más envidiada en música es la capacidad para comunicar; a esta capacidad se le llama fuerza expresiva. La fuerza expresiva de Josquin Des Près, supero a la de todos los músicos flamencos anteriores a él. Sus discípulos y seguidores fueron un verdadero éxito.

El arte de Josquin Des Près, como todo el arte del contrapunto flamenco, coincidió con la riqueza de la arquitectura gótica. Des Prés intuyó el valor expresivo de los sugestivos semitonos, y los usó con frecuencia en sus composiciones musicales. (Un semitono, es la distancia que existe, por ejemplo entre el Do, y el Do sostenido, o sea, la tecla negra a la derecha del Do.)

Sentido Armónico

En Josquin Des Près se nota ya un sentido de la armonía por la atención que dedica a la coincidencia de los sonidos; ya no parte solamente del desarrollo simultáneo de las melodías. Lutero mismo juzgó a Des Près, con las siguientes palabras:
 

“La música de Josquin es siempre delicada alegre, agradable, suave y graciosa. Nunca forzada ni sometida a las normas, sino libre como el canto del pinzón.”

Según las crónicas, Josquin Des Près, escribía sólo “cuando le daba la gana”.

Esto que ahora nos parece natural, es el inicio de una libertad creadora que se verá consumada tres siglos después, con Beethoven.

Generos de música polifónica.

Canción

Entre los géneros más importantes de esta época, figura la Misa, que constaba de cinco partes, a la cual nos referimos anteriormente, el motete, religioso o profano, a tres o cuatro voces, y la canción, que nace de combinar la técnica altamente desarrollada y la inspiración popular.

La canción en Francia fue llamada Chanson, en Italia: madrigal, y en Alemania: lied.

La canción consta en sus inicios, de tres voces y luego de cuatro; alguna de ellas, a veces era ejecutada por un instrumento.

La coincidencia de los sonidos empezó a cautivar la atención paulatinamente.

En los diagramas siguientes trataremos de explicar este concepto.

  

En el diagrama A, aparecen varias melodías; la atención está puesta en el desarrollo horizontal de la música.

En el Diagrama B, indicamos la importancia que se empezaba a encontrar en la coincidencia de estos sonidos.

Esto dará lugar como veremos más adelante, a la Armonía.

 Con colaboración de: Miguel Angel Gozalez Plata guitarra lider de "Golden Years Band"